Cómo ‘Eternity’ de A24 utiliza el color para hacer que el amor se sienta vivo (y por qué el trabajo del colorista David Tomiak es el arma secreta de la película)

Desde sus momentos iniciales, Eternidad se anuncia con confianza, encanto y una sensación de control casi traviesa. La película no facilita la entrada del público. Los invita plena, inmediatamente y sin disculpas. Como dije después de verla, «No hay muchas películas que me impacten desde el principio, guau… dentro de los primeros diez minutos. Realmente marcan el tono. El beso del chef». Ese tono, caprichoso, emocionalmente preciso y visualmente intencional, nunca flaquea. ¿Qué hace? Eternidad Lo que resulta tan refrescante es su negativa a tratar el amor, la muerte o el más allá como conceptos de mano dura. En cambio, la película se inclina hacia la ligereza sin perder profundidad. El color se convierte en un lenguaje en sí mismo, guiando la emoción mucho antes que el diálogo.

David Tomiak es el colorista de Eternidad y cocreador de Elemental Post, un estudio boutique de postproducción con sede en Vancouver, Canadá. Elemental Post se especializa en etalonaje, acabado y soporte editorial de alto nivel para películas de autor galardonadas, con proyectos que se estrenan en los principales festivales, incluidos Sundance, TIFF y Cannes. Es el tipo de estudio construido en torno a la intención más que al volumen, lo que se vuelve obvio en el momento en que Tomiak habla de su trabajo.

mirando hacia atrás EternidadTomiak describió el proyecto como el tipo de experiencia que los creativos esperan pero que no siempre obtienen. «Fue muy divertido cuando lo estábamos haciendo», me dijo, explicando que había un entusiasmo compartido antes del estreno de la película. «En ese sentido, se siente como una comedia romántica clásica… y poder ser parte de eso, es simplemente un soplo de aire fresco». Lo que más le llamó la atención fue que la película nunca trató el amor o la conexión como algo irónico. «Cuando una película no se toma a sí misma demasiado en serio», dijo, «también hay una alegría involucrada en eso».

Esa sensación de alegría está incrustada en la película desde la secuencia inicial. Le dije a David que el lenguaje del color inmediatamente se sintió curado, casi emocionalmente instructivo, antes de que la trama tuviera tiempo de desarrollarse. Hay un momento al principio, durante el recorrido inicial, donde el encuadre y el tono clásico son tan precisos que casi te hacen detenerte. Es el tipo de equilibrio visual que parece deliberado de una manera difícil de ignorar, como lo has visto antes. David habló de la comparación con aprecio más que con resistencia. «No se habló necesariamente de un solo director durante todo el proceso», explicó, pero entiende por qué la gente lo ve. «Tienes esa foto del auto y está perfectamente enmarcada y es un azul clásico, y de esa manera lo hace sentir así». A lo que la gente responde, sugirió, no es a la imitación, sino a la intención.

“Todo fue muy pensado”, dijo David. Lo incorporaron al principio de la preparación para que el equipo pudiera “observar diferentes texturas y tonos en la sala de color” y construir una base visual incluso antes de que comenzara la producción. Esa preparación permitió a los realizadores seguir tomando decisiones creativas en el set sin perder la cohesión. En lugar de bloquear la mirada demasiado pronto, el proceso impulsó el impulso: si nos gusta esta idea, intentémosla; sigamos llegando más lejos.

En lugar de anclar la película a una única referencia moderna, el lenguaje visual se basó en el cine clásico en general. David describió haberse inspirado en películas como el graduado y el apartamento, no para replicar su apariencia, sino para hacer eco de su claridad emocional y moderación. A pesar de El apartamento Es blanco y negro, su tono y sentimiento fueron un gran punto de referencia. «En cierto modo intentamos aprovechar todos estos diferentes elementos del cine clásico», dijo. Con esa Estrella Polar en su lugar, el equipo siguió añadiendo y perfeccionando, permitiendo que la belleza de la película surgiera de forma natural en lugar de imponerse.

Esa filosofía se vuelve especialmente importante en momentos en los que la historia podría haberse vuelto visualmente dura, particularmente en torno a la muerte de Larry. Le dije a Tomiak lo impactado que estaba por la suavidad de la escena de revelación de género, a pesar de que contiene una pérdida tan abrupta. Él explicó que Eternidad Nunca estuvo interesado en el trauma visual. «Siempre supimos que la película quería seguir siendo brillante», dijo. Incluso al hacer referencia a momentos más pesados, el objetivo era mantener la ligereza en lugar del shock.

Señaló una influencia claramente de la década de 1990, donde se permitía que los colores primarios resaltaran mientras la atmósfera circundante permanecía contenida. «Los rojos resaltan y los rosas resaltan», dijo, «pero la atmósfera no necesariamente tiene la misma vitalidad». Ese equilibrio permite que la escena permanezca pacífica en lugar de castigar. La transición al más allá refuerza esa misma idea. Cuando Larry entra al túnel, el mundo no se vuelve oscuro ni siniestro: se vuelve abrumadoramente blanco. Cuando le pregunté si ese momento representaba la muerte o el renacimiento, Tomiak hizo una pausa. «Realmente no pensé en ello en ninguno de esos contextos», admitió. Para él, el momento fue de sorpresa. “La música en realidad habla más de ello”, dijo, notando cómo la partitura inmediatamente indica algo ligero y casual.

Una de sus primeras prioridades en esa secuencia fue el tono de piel de Larry. «Queríamos que resaltara», explicó. «De repente, el tono de su piel tiene mucha más saturación… cobra vida». Cualquier sentimiento de renacimiento, dijo, surgió naturalmente de esas elecciones y no de una intención simbólica. A medida que la película se abre hacia Junction, el color se vuelve más expresivo, pero nunca caótico. Tomiak explicó que la decisión de priorizar el contraste sobre el realismo se tomó de inmediato. “Sabíamos desde el principio que queríamos una paleta de alto contraste”, dijo. “La pregunta siempre fue: ¿hemos ido lo suficientemente lejos?” Si bien muchas películas de referencia se rodaron en celuloide, Eternidad fue filmado digitalmente, lo que hace que esas decisiones de contraste sean aún más deliberadas.

Esa disciplina se transmite a todos los entornos de la película. Cada stand, bar y mundo tiene su propia paleta, hasta los folletos y los carteles, pero nada resulta abrumador. Tomiak le dio crédito al diseñador de producción Zazou Meyers por construir un mundo que ya entendía el color antes de llegar a la publicación. En el grado, su atención se centró en encontrar «ese umbral que no pareciera artificioso». «No queríamos que cien colores pelearan entre sí», dijo. Anclar los blancos se volvió esencial, brindando al público un punto de referencia que permitía que los colores saturados brillaran sin caos.

En ninguna parte esa restricción es más efectiva que en el túnel del archivo. La secuencia es más oscura que la mayor parte de la película, pero no amenazante. Tomiak describió cómo dio forma a las siluetas de Joan y Larry mientras se tomaban de la mano, bajando la imagen para que las bombillas cálidas pudieran brillar en la oscuridad. «No añadió miedo», dijo. «Agregó calidez… como una cualidad de abrazo». La oscuridad no está ahí para oscurecer, está ahí para enfocar.

A lo largo de nuestra conversación, Tomiak enfatizó cuán colaborativo fue el proceso de calificación. El director, el director de fotografía, el editor y el colorista estaban a menudo juntos en la sala, viendo escenas repetidamente con sonido. «Se siente inconsciente porque simplemente estás operando», dijo, pero ese instinto se basó en meses de preparación.

Un detalle que se quedó conmigo fue la cantidad de atención que se dirigió a los ojos. Asegurándose de que el color de ojos de Joan transmitiera emoción sin explicación. “¿Estamos sintiendo su emoción a través de sus ojos?” —preguntó Tomiak. Esa pregunta guió algunos de los momentos más íntimos de la película.

Cuando pregunté qué momento visual capturaba mejor qué Eternidad significa para él, Tomiak no lo dudó. Su secuencia favorita es cuando Joan y Karen se mueven por las cabinas y se cruzan con los chicos en el bar. Le encantaba el contraste entre azules y rojos saturados y la calidez de las escenas del bar. «Todo funcionó en conjunto», dijo. «El color vende la comedia, pero también vende la intimidad».

Para una película sobre el amor, la elección y lo que viene después, David Tomiak transformó el más allá en algo texturizado, divertido y emocionalmente vivo. Cada tela, superficie reflectante y elección de color trabajan en conjunto para crear un mundo que se siente nostálgico sin ser precioso y alegre sin ser superficial.

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