Guillermo Del Toro dice que ‘preferiría morir’ que usar IA, y esa postura desafiante creó el ‘Frankenstein’ más bellamente humano jamás filmado

Guillermo Del Toro ha dejado clara desde hace tiempo su animosidad hacia la IA generativa. Durante una proyección el mes pasado, simplemente expuso los hechos tal como los vio… «A la mierda la IA»

En un evento más reciente, dijo que “preferiría morir” antes que usarlo. Para Del Toro, las imágenes hechas a máquina son un artificio vacío, un atajo que priva al arte de la obra, el riesgo, el amor, la lucha, la belleza que lo hacen real. «Salvapantallas semi-convincentes», ha llamado la producción de imágenes sin propósito, sin intención, sin esfuerzo, sin dolor, sin defectos humanos y sin anhelos de convertirlas en imágenes en movimiento. El rechazo de Del Toro a la IA no es sólo retórica y con frankenstein? Finalmente ha logrado la expresión perfecta de todo lo que sabe que debe ser la verdadera creación.

Del Toro ha estado construyendo hacia frankenstein durante la mayor parte de su vida. «Toda mi vida he estado apuntando a esta película, todos los 50 años de trabajo», dijo antes del debut de la película. La novela de Shelley ha sido parte de su ADN durante décadas, desde Cronos a Pico carmesícada película ensayaba alguna idea o alguna imagen que aquí profundizaría. Los cuadernos, dibujos y diarios que aparecen en El arte y la creación de Frankenstein revelan a un cineasta que diseña a mano, que piensa con lápiz y papel, que obsesivamente dibuja y borra y vuelve a dibujar hasta que sus instintos y sus emociones conectan. Oscar Isaac contó la misma historia, sentado en la cocina de Del Toro, comiendo comida cubana y hablando de sus padres, de las heridas que heredaron de la guerra. La conversación… ni los algoritmos, ni los procesos automatizados se convirtieron en la semilla de Victor Frankenstein.

El espíritu artesanal de Del Toro fluye a través de cada departamento de la película. La diseñadora de producción Tamara Deverell pasó meses construyendo el inmenso laboratorio dentro de un edificio de piedra escocés abandonado, con su gran ventana circular y su equipo rigurosamente desgastado y envejecido. Cuando entró por primera vez en el set completo, no pudo evitar repetir la novela: “¡Está vivo!” Ella y Del Toro no trabajaron a través de hojas de cálculo ni gráficos generados por procedimientos; en cambio, compartieron referencias visuales, visitaron antiguas plantas de tratamiento de aguas residuales y torres en Escocia e intercambiaron constantemente pinturas y detalles arquitectónicos.

El diseñador de criaturas Mike Hill diseñó Creature de Jacob Elordi con la misma atención al detalle humano. Del Toro no quería un monstruo mecánico cosido, quería un recién nacido, en carne viva y vulnerable. Hill evitó cualquier prótesis que pudiera distraer la atención de los ojos y del alma, porque Del Toro insistió en que el público debía sentir por la Criatura más que temerle. El equipo esculpió una piel que parecía un “primer borrador” de vida, algo imperfecto, frágil y tocable. Cada aparato fue construido a mano y luego movido cada día para que la actuación de Elordi pudiera superar las prótesis en lugar de verse abrumada por ellas.

El trabajo continuó en el vestuario, donde el equipo de Kate Hawley pasó meses probando pigmentos y telas hasta que los vestidos de Mia Goth brillaron como seres vivos en la cinematografía a la luz de las velas de Dan Laustsen. El color que viste Claire, el color dominante de la película (sangre, rabia y memoria) y el verde malaquita de Elizabeth requirieron pruebas y errores interminables. Nada sobre esos colores fue automatizado. Fueron descubiertos a través de prueba tras prueba, fallas, pruebas de cámara y recalibraciones. Hawley incluso bromeó diciendo que el guardarropa de la Criatura se convirtió en «un enorme monstruo» por derecho propio, destrozado por la nieve, el barro, los lobos y las explosiones hasta que de alguna manera contuvo el viaje de su personaje en sus costuras deshilachadas.

La cinematografía de Laustsen también repudia lo aséptico y lo clínicamente perfecto. A menudo iluminaba con velas, bombeaba humo hacia los vastos espacios góticos y dependía en gran medida de sombras profundas y de una sola fuente de luz. Del Toro y Laustsen discutían regularmente sobre el bloqueo de tiros, de izquierda a derecha o de derecha a izquierda, no por eficiencia sino por impacto emocional. Debatían cómo debía moverse una cámara no porque hubiera una buena y una mala manera sino porque buscaban el peso de una toma.

Incluso la partitura encarna la vulnerabilidad humana. El compositor Alexandre Desplat vio la música como una forma de articular los sentimientos de la Criatura, las cosas que nunca dice. Usó una gran orquesta pero la superpuso con delicadas líneas de violín que Desplat escribió específicamente para expresar la vulnerabilidad del personaje. Al componer la secuencia de Víctor ensamblando la Criatura, Desplat inicialmente imaginó algo horrible o caótico hasta que él y Del Toro se dieron cuenta de que debía verse a través de los ojos del artista, un vals de la creación.

La resistencia de Del Toro a la IA generativa se basa en principios más profundos que van más allá de los hábitos creativos. Es la columna vertebral de Frankenstein. Su película es una declaración de que los verdaderos monstruos, los verdaderos desamor y las verdaderas maravillas sólo pueden surgir del trabajo vivo. El proyecto que soñó toda su vida finalmente ha demostrado su punto: el arte está vivo sólo cuando las manos que lo hacen lo están.

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